レッスン
ドッツァー教本84番。シュレーダー41番。エルガー「愛の挨拶」。今日は“3回転ジャンプ”(高音部)はなんとか着地できてイイ感じの出来。中間部ヘ長調の部分の細かいところを直してもらう。さすが先生、細かい音程やテンポのずれを聞き逃さない。弾いていて気持ち悪かった箇所がなぜ気持ち悪かったかわかってスッキリした気がする。
最後の5分間、最近思っていることを先生に話す。楽器が欲しいけどピンとくる楽器や店や店員さんに出会わないこと。練習もレッスンも楽しいし弾きたい曲もたくさんあるけど、その先の目標がちょっと見つからない気がする、など。
うん、うん、と聞いて先生は何も「こうしたら」というようなことは言わない。言ってくれることを期待しているわけでもない。答えはない。この「何も押し付けない」先生の姿勢には最初戸惑ったけれど、習って3年経つと、これはこれで心地いいんだなあ。
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ハプニング
チェリスト、スティーブン・イッサーリスのリサイタルを三鷹の芸術文化センター風のホールに聴きに行ってきました。席は前方２列目。オール・シューマンのプログラム。チェロだとか元はバイオリンのためにかかれた曲だとかいうことを超えて、表現の幅がめちゃくちゃ広い。正に自由自在。
容貌は写真よりもう少し円熟して髪型もオザワセイジ風。プログラムの紹介文も自分で書いているなど多才さやその中にユーモアも感じました。
こんなに世界的な演奏家の演奏を近所のホールで聴けるなんて、なんというぜいたく。
後半のプログラムでハプニング。
アダージョとアレグロ(op.70)のロマンチックなメロディーが始まったばかりのとき、バチンと音がして弦が切れた！ イッサーリスは金属でなくガット弦を使うことで有名だそうですが、それだけデリケートなのでしょうか。外は冷たい雨の降る天気でしたが、そういうことも関係あったかどうか。
ここでロジャー・フェデラーならニッコリ笑ってベンチから張りあがりの新しいラケットを出してくればすむところ、なにせ世界にひとつしかない1730年フォイアマン・ストラディバリウス、そういうわけにもいかず。
伴奏者と譜めくりストと揃ってお辞儀をして、いったんソデに下がる。
観客、「いいよ、気にしないで！」という拍手で送る。
スタッフが出てきて「弦を張り替えますので少々お待ちを…」と説明、待つこと約10分、再び登場。一段と大きな拍手。
巨匠がちょっと肩をすくめる仕草に会場から笑い。そして、もう一度初めから演奏……
めずらしいシーンを見てしまいました。
「弦が切れるハプニングといえば五嶋みどりさん…」
というコメントをmixiでもらいました。1986年、14才でタングルウッド音楽祭でのデビュー。指揮はあのバーンスタイン。一曲の中で一度ならず二度も弦が切れたのに、すかさずコンサートマスター（二度目はサブマスター）の楽器（しかもサイズが違う！）を借りてみごと弾き通したのが「伝説」らしいです。
.... her now-legendary debut at Tanglewood with the Boston Symphony Orchestra, Leonard Bernstein conducting. The work was Bernstein's Serenade after Plato's 'Symposium' for Solo Violin, String Orchestra, Harp and Percussion. In the fifth movement, Midori broke the E string and was quickly passed the violin of the concertmaster, continuing to play without missing a beat.GIRL, 14, CONQUERS TANGLEWOOD WITH 3 VIOLINS (14才の少女、バイオリン3本でタングルウッドを征服) [NYTimes July 28, 1986, Monday Section A, Page 1] (有料)
When the unthinkable happened again and she broke the E string on the concertmaster's fiddle, she took the violin of the associate concertmaster.
Both borrowed instruments were different in size - and both were larger than her own instrument - yet Midori was unfazed.
When she came to the end, the audience and the orchestra erupted in applause and Bernstein fell to his knees. [....バーンスタインはみどりの前にひざまずいた。]
The following day, the front page of The New York Times read, "Girl, 14, Conquers Tanglewood with 3 Violins."
[五嶋みどり公式サイト（英語版）biography]
この記事の中では Mi Dori, Miss Dori と書かれていて、検索で探すのに苦労しました。Mi がファーストネーム、Dori が名字だと思われていたみたいです。
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「のだめカンタービレ」の音楽論
短編「セロ弾きのゴーシュ」から音楽論を説く本ができたように、「のだめカンタービレ」を読み解くことから音楽論・演奏論を説き起こそうという人が現れないものか。
たとえば、音楽に没頭すること、音楽を心の底から楽しむことを知ったSオケと千秋は、近代合理主義的な音楽教育の優等生集団Aオケよりも人の心を揺さぶる演奏ができる、というエピソードが連なる。原作者の信念でもあるのだろう。
「まじめに頑張る」よりは「ひとりひとりが楽しむ」ことのほうが尊く、また報われるという考え方。これはわりあい最近出てきた考え方のように感じる。
それが正しいとして、では試合や演奏会の当日に合わせて計画的に「楽しみ」を最高潮にするにはどうしたらいいか？というのが音楽なりスポーツなりをする人の最も知りたいところだろうと思う。
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曲のイメージ
「白鳥」のイメージ。 [まかべさん 06.11.09]サン・サーンス「白鳥」を弾くにあたってのイメージ。参考になるなあ…
僕はそこまで豊かな視覚的イメージを持っていないのだけれど…ただ、「白鳥」を弾くと娘が「お、バーだ。」と言うのが頭に残っている。バレエの「バーレッスン」のこと。バーレッスンのバックに流れているのだ。バレリーナとその卵たちが十分手足を伸ばせるように…ということを考えながら弾いている、ような気がする。
ついでに、今弾いているエルガー「愛の挨拶」のイメージ。公園のベンチで恋人たちが語らっている。その様子を遠くのベンチから眺めている。おそらくこんなことを話しているのだろうと、自分の古い経験に照らして妄想が広がる。最後はすうっと我に返る。
いずれにしても、その情景の「中」に自分はいない、というのは中年男の「照れ」の部分かも。
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レッスン：３年経過
ドッツァー教本80番。初見で二重奏。先生、喉の調子が悪そう。
「ゴ.....」というから、何かと思って手を止めると
「....ホン」と咳だったりする。先生、早く治してね。
シュレーダー40番は2度弾いてあがり。2度目はテンポで。
「だいぶ力を抜いて弾けるようになりましたねー」
といわれる。本人に自覚はないから前はどれだけ力が入ってたんだということ。
次の41番からはだいぶ親指が痛みそう。
エルガー「愛の挨拶」。 表情を一つ一つつけてもらってから、2度目は伴奏つきで。 出来はまだまだ。フィギュアスケートでいえば、トリプルジャンプ（＝高音部）を ことごとく失敗したものだから、「スピンは良く回ってました」と言われてもね、って気分。
チェロを始めたのが2003年の11月からだからちょうど3年。 レッスンの回数は36ヶ月×2回＝72だから第73回のはず。
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〈セロ弾きのゴーシュ〉の音楽論
先日書いた毎日の「クラシックブームを考える」というコラムを書いたかたが宮沢賢治「セロ弾きのゴーシュ」について本を書いているというので取り寄せて読んでみた。
〈セロ弾きのゴーシュ〉の音楽論―音楽近代主義を超えて 梅津時比古[東京書籍 2003.05.21]「セロ弾きのゴーシュ」を読み解くための注釈本とも言えるし、「セロ弾きのゴーシュ」を入り口にした筆者の音楽論とも言える。哲学に近い。特に音楽においてテクニックや合理性を追及する近代主義を批判して、そこを超えた境地にゴーシュは至ったのではないか……という話。
このひとは「ゴーシュ」の名前の由来について独特の説を唱えていて、 定説とされるフランス語の gauche （下手な、ゆがんだ、左の）もさることながら、ドイツ語の gauch（カッコウ）を賢治は意識したのではないか、という[岩手日報文学賞宮沢賢治賞受賞講演 04.07.21]。
ではゴーシュの名を自らのペンションに付属のホールの名にもしている goshu さんはどうして goshu としているのだろうと思ったら、ちゃんと前に書いておられ[ゴーシュのスペル 05.03.24]、なるほどと納得した。
あと、アマチュアチェリストとしての宮沢賢治はどれほどの腕前だったのか、ですが、これがぜんぜん大したことがなくて、きちんと習ったのは三十歳のとき（1926年12月）チェロを抱えて花巻から東京に出て行った三日間だけ、しかも三日目にようやくウェルナーの教則本のやさしいところを習っただけだというから、博学・万能の賢治にもチェロだけは負けずに済みそうだとなんだか安心した。
賢治のチェロは当時定価百七十円のものだったらしい。鈴木バイオリン製。カツレツが五銭、筆耕（ガリ版切り）のアルバイトが１枚二十銭の時代と聞くと、現代に置き換えれば１円＝１万円か、もうちょっと上の感覚だろうから170円は200万円位？
当時の賢治は花巻農学校の教諭として月給80〜100円だったというが、これは地方の一介の教諭にしては非常に高額に思えるし、父親に生活費を補助してもらっていたというから、全部が現金支給というわけではなかったのかも知れない（江戸時代の「米百石扶持」みたいなものかも）。
いずれにしてもチェロは思い切った買い物だったことにはちがいない。
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常套句
前の記事のコラムを書いた毎日新聞学芸部の記者の方は
「音楽は世界の共通語」
ということばを安易に言って欲しくないという。
きっと文化イベントなどで、お偉いかたが
この常套句を使って挨拶したりするのを耳にタコができるほど聞いたのだろう。
よくチェロの話になると
「チェロの音は癒されるよね、人間の声に近いんだよね」
という人がいる。耳にタコができるほど聞いた。
自分が弾くチェロの音で「癒される」ことはめったにない。 この常套句は安易に使って欲しくない。
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魔王
クラシックブームを考える [毎日 記者の目 06.11.03]文化の日に寄せて、毎日新聞学芸部記者のかたのコラム。
よく知られているシューベルトの歌曲「魔王」だが、日本人とドイツ人とでは
その意味や怖さを感じるツボが違う、という。
男の子を抱いたお父さんが馬に乗って家に急ぐ。「お父さん、こわいよ、魔王が誘うよ」「だいじょうぶ、あれはただの木だよ」となだめながら家に着くと、男の子が死んでいる…というあの歌。
ドイツ人は魔王のような木に向かって行く情景が怖いといい、
日本人は魔王のような木から家に逃げる情景のほうが怖いという。
また、「魔王」という訳にも問題があるという。
もともと「魔王」は、デンマークのバラード「妖精の娘」をヘルダーがドイツ語に訳し、それに基づいてゲーテが書いた。 「妖精の娘」は、結婚式を翌日に控えた青年が女の妖精に誘惑され、断ったところ、翌朝、結婚式場の赤じゅうたんの下から遺体で発見されたという話で、木は出てこない。ところが妖精を意味するデンマーク語をヘルダーが、ドイツ語で「はんの木」と誤訳し、そこからゲーテは木と魔性を結び付けてイメージを膨らませ、木に原初の声を聴く詩にした。 背景には、キリスト教以前のドイツ土着の、木や森に対する汎神論がある。
たしかに「魔王」の原題 Der Erlkönig はErl = ハンノキ(英語でalder)のkönig = 王(king) という。
木や森を畏れる、という感覚はドイツ人独特のものがあるのかも知れない。
かくの如くクラシック音楽は文化の深いところに根ざしたものであるから、さいきんのクラシックブームで“さわり”を知ったくらいで わかったような気になるな……というのがこのコラムを書いた記者が言いたかったことらしい。ちょっとお説教くさい。
この話で思い出したのは、先日の水谷川優子さんのチェロリサイタルで聞いた話。
グリーグの組曲「ペールギュント」の「朝」という曲は、
いかにもすがすがしい北欧の朝を思わせるけれども（戯曲「ペールギュント」を書いたイプセンも、作曲したグリーグもノルウェー人）、
このシーンは北欧でなくサハラ砂漠の朝なのだそう。
「グリーグが書くと北欧の朝のように感じてしまうから、音楽って不思議ですね。」
というトークでした。
上のコラムに戻って「魔王」だけれど、
さらに日本ではなぜか、男の子が熱病という根拠の無い物語まで加わり、多くの人が学校でそう習っている。
しかしこれ、男の子が幻を見たのは病気による熱のせいだ（歌詞にはないが、少なくともそういう印象を受ける）という話は 英語でも読んだことがあるので、 そう解釈しているのは日本人だけではない気がする。
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練習
11月とは思えない陽気だったがテニスコートが手違いで取れていなくて、そのぶん練習する。
弾いていると家の者が伴奏を弾こうかと言ってくれる。こんなことは半年に１度あるかないかのことなので、ありがたくお願いする。
やはり伴奏がつくと気持ちがいいし、新たな発見があって練習になる。少しくらい音が外れようとも先に進むしかないし、長く伸ばす音も伴奏を聞いて「きっかけ」のようなものがわかる。「そこ速いんじゃないの」みたいなことを言い合うことではじめて気がつくこともある。
こもさんのブログで、CDを聴きながら練習する方法を書かれていたのを思い出して、うちのプレーヤーでやってみた。ただ、CDの音と自分の楽器の音、両方聴こえるようにするバランスが難しい。
シュレーダーのエチュードも「必修」だった。これも「履修もれ」のないようにしておかないと。
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チェロとテニス
チェロを習いながら、これはテニスで言えばこういうことか、と置き換えて考えてみると合点のいくことが多々ある。
チェロもテニスも、体で覚える技能である点で共通する。 その習得にはある程度長い時間がかかり、道のりは遠いこと。 だからくりかえし練習するしかないこと。いいお手本を見る（聴く）こと。道筋は人それぞれ千差万別であることなど。
テニスは長くやっているのでひとに教える難しさもある程度知っているつもり。 それを思い出すとチェロの先生の苦労やもどかしさもなんとなく察せられるのである。
親指ポジションの高い音への移動。指（たとえば薬指）一本で狙いを定めてもなかなか正しい音程で取れない。
これを、親指の位置を目安に置いて、左手全体で取りに行くようにしたらほんの少しうまく取れるようになった。そのためには左手の形がいつも一定であることが前提だけれど。
テニスで言うと、ランニングショットのときに、 ただボールめがけて突進するのでなく、 後ろ足（フォアハンドなら右足）のステップの位置を決めるのが肝心だよなあ （そのためには、後ろ足を決めた状態からきちんと打てるフォームを固めることが前提だけれど） と不思議な共通点を感じて、ひとりで感心したりしている。
つまり、目標が遠すぎて難しかったら、少し前の目標を目安にしてみる、ということかも。
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